Viggo Mortensen regresa a la gran pantalla, detrás y en frente de la cámara con «The Dead Don’t Hurt», un western poético, violento y conmovedor.
Mortensen interpreta a Holger, un carpintero danés, y Vicky Krieps protagoniza como Vivienne, una mujer fuerte e independiente que se niega a casarse. Después de pasar un tiempo juntos, Vivienne decide seguir a Holger a su casa, allí comienzan una vida juntos y viven felices hasta que Holger decide unirse al Ejército de la Unión.
Ambientada en la década de 1860, «The Dead Don’t Hurt» coloca a Vivienne en el corazón de su historia y, en lugar de seguir al hombre que va a la guerra, la película se convierte en un relato impactante, salvaje y bellamente filmado sobre lo que significaba ser mujer y sobrevivir en un mundo dominado por hombres, donde la guerra podía aparecer de muchas formas diferentes.
Viggo Mortensen puede hacerlo todo: además de ser un actor y director, también es un músico experimentado, ya que compuso la banda sonora para «The Dead Don’t Hurt». La música de una película es un elemento clave en cómo los espectadores la recordarán, pero también en cómo vivirán la historia. Para un cineasta, es también una forma de guiar al público y, a veces, de crear una música que actúe como un personaje completo en sí mismo.
Mortensen añadió: “En el caso de «The Dead Don’t Hurt», ayuda para algunas de las transiciones de un período de tiempo a otro y para las elipsis y cuando el tiempo avanza muy rápidamente, especialmente en la mitad y la segunda mitad de la película. Disfruto el proceso colaborativo de hacer eso con músicos y encontrar formas de ayudar a la película sin subrayar nada y, de hecho, grabamos la música mucho antes de comenzar a filmar. Entonces, fue muy útil para guiar cuánto durarían ciertas escenas y cuál sería el tono y el ritmo en términos del diálogo y cuánta acción se mostraría.”
La película está dedicada a Grace Gamble Atkinson, que no era otra que la madre de Viggo Mortensen, quien inspiró fuertemente al personaje de Vivienne, pero también a la niña en el bosque que podemos ver desde el principio. Cuando un caballero medieval aparece en su caballo frente a la niña, los fanáticos de «El Señor de los Anillos» probablemente reconocerán al instante la espada que lleva. De hecho, es Andúril, la espada de Aragorn en «El Señor de los Anillos», que Viggo Mortensen usó para esta escena.
Mortensen dijo: “De alguna manera, todo lo que he aprendido antes de comenzar a rodar la película, no son solo las películas que he visto en mi vida, cientos y cientos de películas y las películas en las que he participado contando historias. He tenido suerte, he aprendido de directores muy buenos, mujeres y hombres, de diferentes tipos, pero los mejores de ellos, muy eficientes y buenos narradores porque estaban muy bien preparados, y porque eran buenos colaboradores con sus equipos. Estas son las cosas que he aprendido. Pero también, las cosas que aprendí de mi madre desde el principio, yendo al cine juntos, hablando de películas, no sé, sabes, cualquier cosa que haya experimentado y aprendido algo de ella, estoy seguro de que pasó por el proceso de hacer esta película, incluso si no era consciente o no estaba pensando en ello.”
«En mi generación, no era raro que los niños vieran muchos westerns en los cines. Era la década de 1960 y todavía había westerns en los cines y muchos en la televisión también. No es que todos fueran geniales. Es un género que tiene una larga historia desde los inicios del cine. Inicialmente, eran historias folclóricas, mitológicas, ingenuas, que eran algo simples y, literalmente ha habido miles de ellas, la mayoría simples y no muy originales. Pero como resultado, también ha habido muchas que son profundas, complejas y las mejores de ellas están a nivel de las obras más poéticas y trágicas que los seres humanos han creado desde la historia antigua; algunas son realmente provocadoras y se han adaptado al desarrollo de la sociedad norteamericana y de otros lugares», añadió.
«Cuando comencé a escribir «The Dead Don’t Hurt», lo escribí durante el confinamiento de la pandemia y tenía una imagen inicial de una niña corriendo por este bosque con arces y robles rojos y estaba pensando en mi madre y dónde había crecido y vivido hasta el final de su vida. Conocía los libros que tenía: estas historias de caballeros y damas de finales del siglo XIX y principios del XX con hermosas portadas de colores, hablaba mucho de eso. Imaginé a mi madre corriendo por estos bosques, pero lo imaginé siendo de una época anterior y pensé, ¿qué significa eso?
Tuve la idea de mostrar el efecto antes de mostrar la causa, lo que sucede más en novelas que en películas. Cuando tenemos un evento traumático o importante, tendemos a mirar hacia atrás y pensar, ‘¿Cómo llegamos a esto? ¿Cómo llegué aquí? ¿Cómo sucedió esto?’ Así que comencé al final y trabajé hacia atrás y una vez que me di cuenta de lo que estaba pasando, pensé, bueno, esto es un western, así que me apegué a eso», confesó.
Acerca de las locaciones expresó: «Filmamos un par de días en el este de Canadá para las escenas de la infancia de Vivienne y un par de días más tarde en el oeste de Canadá para el final y los cruces de ríos. Todo lo demás se rodó en México, en el estado de Durango. El estado de Durango es interesante porque tenía un antiguo pueblo del oeste que podíamos convertir, que era adecuado para la época y la ubicación en el suroeste. Cuando piensas en 1861, cuando comienza la historia, unos 13 años antes, eso era México. Así que el pueblo con tanto adobe mezclado con estructuras de madera que hicimos, que son para los recién llegados, era adecuado».
Y continuó: «El estado de Durango tiene algunos paisajes increíbles: una variedad de desiertos, praderas, cañones, cascadas, altas montañas y bosques. Lo bueno fue que cuando hicimos el scouting de locaciones, encontramos lugares accesibles donde no teníamos que ir muy lejos dentro del tiempo y el presupuesto limitados para filmar esto. En muchos casos, cuando le pregunté al localizador de locaciones qué otras cosas se habían filmado allí, si solo eran películas mexicanas, o también había americanas, me dijeron que no, que no se había filmado nada allí antes».
La película es la segunda incursión de Mortensen como director. En 2020, escribió y dirigió «Falling», que recibió elogios de la crítica. Hacer una primera película puede ser liberador. Las expectativas aún no pesan mucho. Sin embargo, cuando tiene éxito, hay anticipación en torno a una segunda incursión. Los críticos y contemporáneos esperan que sea igual a la primera, si no mejor. ¿Sintió Mortensen el peso de la anticipación, o pudo desconectarse del ruido circundante? “Se supone que hay reglas duras y rápidas. Una es que tu segunda película no será buena, especialmente si la primera resultó bien, lo cual fue así. [Dicen que va a] ser mucho más difícil. Fue más ambiciosa, incluso la música fue más compleja, pero no sentí esa presión. Es un tipo diferente de película, pero me gusta tanto como «Falling».
Mortensen dice que tampoco suscribe algunos de los otros mitos sobre la realización de películas. “Te dicen que no trabajes con niños y animales. En ambas películas, hay niños pequeños. Hay un par de caballos en «Falling». En esta, obviamente, hay muchos caballos; es un western. No suscribo esta creencia. Tienes que ser flexible, ya sea un caballo, un niño o un actor veterano. Todos son diferentes; tu trabajo como director es encontrar su zona de confort. ¿Cómo puedes ayudarlos a relajarse? ¿Qué es específicamente necesario para esa persona? Es como conocer y relacionarse con las personas en sus propios términos hasta cierto grado. Estás tratando de conectarte para sacar lo mejor de todos los actores”, concluyó.
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